Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 3
Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 3 – Dalam kontribusi yang sangat baik, James Yaya Hough dijatuhi hukuman, pada usia 17 untuk kurungan seumur hidup tanpa pembebasan bersyarat atas pembunuhan. Kemudian dirinya mengeluarkan karya seni setelah 27 tahun dipenjara, yaitu pada tahun 2019.
Saat peluncuran karya seninya mengisi dua partisi galeri dengan gambar garis mengerikan dari sosok yang mengubah bentuk antara perempuan dan laki-laki, penghukum dan dihukum. slot online
Beberapa dari karya ini telah dibuat bertahun-tahun setelah peluncuran seorang narapidana, menunjukkan bagaimana situasi penjara yang meresahkan terus membentuk kehidupan mereka. Dalam video tahun 2018, Ain’t I a Woman, Mary Enoch Elizabeth Baxter, yang menggunakan judul hip-hop Isis Tha Savior, memerankan kembali peristiwa traumatis dalam kehidupan pribadinya sebelumnya. Dirinya menjalani persalinan di penjara sambil dibelenggu ke tandu untuk menangani penaklukan bersejarah wanita kulit hitam. Judul video tersebut adalah kutipan dari abolisionis dan mantan budak Sojourner Fact.
Itu salah satu dari beberapa karya di masa kini yang menghubungkan penahanan massal ke perbudakan. Penggambaran dilakukan oleh Jared Owens melapisi cetak biru penjara kontemporer dengan diagram kapal budak abad ke-18. Gambar oleh Keith Calhoun dan Chandra McCormick dok terkenal brutal setiap hari kehidupan di Penjara Angola di Louisiana, dibangun di atas posisi perkebunan kapas abad ke-19. sbobet88 slot
Baik Tn. Calhoun maupun Nn. McCormick tidak dipenjara, begitu pula beberapa artis berbeda yang dimasukkan Dr. Fleetwood, di antaranya Sara Bennett, Maria Gaspar, dan Sable Elyse Smith. Dalam pengertian itu mereka datang ke topik dari luar. Tetapi pekerjaan mereka politik dan swasta benar-benar merasa tidak terpisahkan. Karena di masa sekarang, secara umum, di dalam dan di luar pintu, rasa bersalah dan tidak bersalah dari pelaku dan penderita benar-benar merasa seperti gagasan yang mengalir.
Karya seni Ms. Smith seperti patung, efisiensi, puisi yang dibingkai oleh kebenaran bahwa ayahnya memulai hukuman seumur hidup untuk pembunuhan ketika dia berusia 10 tahun. Secara tidakk langsung, kejahatan yang dia lakukan telah membentuk hidupnya dan fisiknya yang meningkat dan berkesan dari karya seni.
Dorongan untuk pameran itu sendiri memiliki pasokan yang serupa. Keingintahuan lama Dr. Fleetwood tentang ketidakadilan sistem penjara Amerika dimulai bersama dengan keahlian pribadinya untuk menutup anggota keluarga laki-laki yang menjalani hukuman jangka panjang. Rekening langsungnya tentang realitas tersebut, dan dampaknya pada rumah tangga Afrika-Amerika yang berkepanjangan, mengetik bab yang tersisa dari e-book-nya.
Akhirnya, pameran yang diselenggarakan oleh Dr. Fleetwood dengan kurator Amy Rosenblum Martín, Jocelyn Miller dan Josephine Graf memperumit definisi kejahatan itu sendiri. Tidak hanya itu saja, mereka malah meningkatkannya melewati ruang sidang ke dalam masyarakat Amerika.
Ini adalah masyarakat di mana rasisme biasanya menentukan praduga bersalah. Hukuman penjara ketidakberdayaan dan penghapusan manusia dipilih dari pada memperbaiki ketidakadilan yang mengakibatkan penjara. Ini adalah masyarakat di mana mengurung individu adalah perusahaan besar, dengan koneksi yang menjangkau di semua tempat, termasuk dunia karya seni. Ini diperjelas dalam protes terbaru yang berkonsentrasi pada pengurus museum Tom Gores, investor keadilan pribadi, di Museum Karya Seni Los Angeles County, dan Larry Fink, ketua dan kepala pemerintahan BlackRock, di MoMA untuk investasinya di dalam penjara-industri rumit.
Skala keadilan halus dan mulai bergeser. Satu-satunya teknik untuk memantapkan mereka dengan benar adalah dengan mata yang bertahap, penuh gairah, dan kontak tangan yang seimbang, dan di situlah karya seni itu sendiri tersedia.
Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 2
Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 2 – Hal ini memanfaatkan rambut gel sebagai media di atas lebih dari tiga lusin seprai yang dikeluarkan dari penjara. Dengan bantuan sesama narapidana dan penjaga koperasi, dia berada dalam posisi ini selama lebih dari tiga tahun. Hanya untuk mengirimkan lembaran-lembaran itu secara terpisah kepada teman-temannya.
Hanya setelah peluncurannya pada tahun 2014, dirinya membeli untuk melihat panel yang disatukan sebagai satu karya berukuran tinggi 15 jari kaki dan lebar 40 jari kaki. Dia menyebutnya sebagai Apokaluptein 16389067, yang menggabungkan kata kerja Yunani untuk mengungkapkan dan jumlah penjaranya. slot88
Tidak kalah berani dalam skala, meskipun dieksekusi dalam peningkatan yang jauh lebih kecil. Karya Mark Loughney, yang berada di penjara di Pennsylvania yang berjudul Kekalahan Pyrrhic: Sebuah Studi Visual tentang Penahanan Massal, itu adalah sampul dari lantai ke langit-langit sampul yang mengatur sekitar 500 gambar kepala-shot-gaya teman penjara artis. Dalam penggambaran terbaru, diselesaikan setelah dimulainya pandemi, pengasuh memakai masker wajah.
Seperti yang ditulis Dr. Fleetwood dalam e-book-nya, salah satu dari banyak hasil penahanan yang diperhitungkan adalah hancurnya rasa individualitas dan kebersamaan narapidana. Potret, yang sangat dihargai di komunitas penjara, dan potret diri adalah penegasan dari masing-masing hasil seni.
Potret diri Pak Loughney adalah contohnya. Ini adalah bagian dari potret namun, dilengkapi dengan tinta biru mengkilap, yang juga menonjol. Potret diri yang dilukis oleh seniman San Francisco Ronnie Goodman, ini diambil saat dirinya sedang melakukan pembobolan rumah di Penjara Negara Bagian San Quentin. Dia menggambarkan dirinya membuat cetakan di bengkel penjara bersama dengan potret narapidana yang berbeda tergantung di dinding di belakangnya. Potret seni ini diluncurkan pada tahun 2010, saat Tuan Goodman meninggal di salah satu dari banyak perkemahan tunawisma metropolis awal tahun ini.
Ada banyak penggambaran diri di masa sekarang. Seperti karya yang mengesankan oleh Russell Craig. Dirinya adalah seorang seniman otodidak yang, sejak dirinya keluar dari Penjara Negara Bagian Graterford, dirinya telah melukis mural publik di kampung halamannya di Philadelphia. Mural ini tingginya sembilan kaki dan memenuhi dinding galeri. Satu lagi, disebut sebagai Locked in a Dark Calm oleh Tameca Cole, adalah pengukuran kertas printer normal. Dibuat sebagai tanggapan atas insiden penganiayaan di penjara. Hal ini adalah kolase dari wajah feminin yang terfragmentasi yang muncul dari, atau tenggelam ke, lautan garis grafis yang dicoret-coret padat.
Potret diri pensil yang indah oleh Billy Promote (1976-2013) terasa privat seperti tanda tangan. Menjalani hukuman seumur hidup di penjara California karena percobaan pembunuhan. Dirinya diselamatkan dalam isolasi di sana, dimana Mr. Promote ini meninggal saat mengambil bagian dalam pemogokan kelaparan di seluruh negara bagian. Pemogokan ini dilakukan untuk memprotes kurungan isolasi. Petugas penjara menyebut kematiannya sebagai bunuh diri, meskipun pemicunya telah dipertanyakan tetaplah bersalah.
Mr Promote adalah salah satu dari beberapa seniman di masa kini yang terlibat dalam aktivisme politik saat dipenjara. Seorang lainnya adalah Ojure Lutalo, yang ditangkap pada tahun 1975 saat merampok lembaga keuangan untuk mendapatkan dana bagi kelompok revolusioner kulit hitam. Dia menghabiskan banyak dari 22 tahun dalam isolasi item tempat dia menghasilkan banyak kolase padat teks memprotes rasisme institusional. Dirinya dengan mudah menyebut karyanya sebagai “propaganda visual”, meski tidak semua karya seni politik saat ini sejelas instrumentalnya.
Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 1
Membuat Karya Seni Di Saat Lockdown Berarti Penjara Bagian 1 – Amerika Serikat saat ini memiliki penduduk yang sedang mengalami penguncian terbesar di dunia. Sekitar 2,4 juta jiwa, dan sebagian besar dari mereka masyarakat kulit Hitam. Sejak 1980-an, hukuman penjara seumur hidup telah meningkat empat kali lipat. Dengan usia minimal untuk hukuman penjara telah menurun, penggunaan kurungan isolasi biasanya dikenal sebagai penyiksaan tanpa sentuhan, telah berkembang.
Hasilnya adalah kompleks industri penjara yang kita semua tahu. Bahwa alam semesta yang menghukum tertutup dari dunia yang lebih besar. Apa yang terjadi di balik partisi ini? Perampasan dan kekejaman, tetapi sebagai tambahan pembuatan karya seni. Seperti yang kita pelajari dari Menandai Waktu: Seni di Zaman Penahanan Massal, 44 seniman yang menggetarkan hadir di MoMA PS1 yang telah dibuka kembali. bet88
Model beta masa kini muncul pada tahun 2018 di Aperture Basis di Manhattan, yang diselenggarakan oleh Nicole R. Fleetwood, seorang profesor riset Amerika dan sejarah karya seni di Rutgers College. Dr. Fleetwood juga bisa menjadi kurator pengunjung pameran MoMA PS 1 dan penulis e-book baru yang jelas yang memberikan judul hadiah dan mendefinisikan apa yang dia sebut estetika karceral. Ini merupakan sebuah karya seni yang dibentuk oleh rumah yang dibatasi secara radikal, waktu kelembagaan yang tidak terikat dan kekurangan bahan.
Di antara perlengkapan yang diberikan, secara singkat media karya seni konvensional sangat sulit ditemukan, sehingga harus dicari penggantinya. Selama 20 tahun kurungan di penjara negara bagian Ohio mulai tahun 1991, narapidana-artis Dean Gillispie telah membuat model foto fantasi meja dari masa kecil kelas pekerja. Seperti miniatur stasiun bahan bakar, rumah film, dan pengunjung pinggir jalan. Dirinya membuatnya dari sampah yang dipulung seperti batang es loli, kertas bungkus rokok dan kantong teh daur ulang. Semua ini dipegang bersama dengan pin yang dicuri dari toko jahitan penjara.
Pada tahun 2012, di Lembaga Pemasyarakatan Federal di Fairton, NJ Gilberto Rivera. Mantan seniman jalan Brooklyn, juga memanfaatkan sumber-sumber yang ada. Sebagai tanggapan tersinggung atas pertemuan dirinya yang bermusuhan dengan seorang penjaga. Dirinya menciptakan kumpulan mode lukisan aksi raksasa yang berantakan dari dokumen penjara dan seragam narapidana yang robek, kemudian menggunakan lilin tanah sebagai pekerjaan penjaranya yaitu mengepel lantai sebagai pengikat. Dirinya memberi judul hasil tersebut sebagai An Institutional Nightmare.
Bagaimana dia bisa menutupi bidak itu, yang ada di masa sekarang. Setelah dirinya keluar dari penjara, dirinya tidak tahu apa yang harus dilakukan. Namun tantangannya tidak bisa sebaik yang dihadapi oleh seorang narapidana Fairton lainnya. Seperti Jesse Krimes, yang memiliki tugas untuk menjaga pekerjaan pribadinya yang jauh lebih besar.
Tuan Krimes yang baru saja lulus dari sekolah dengan ijazah karya seni pada tahun 2008, diwaktu yang bersamaan juga dirinya ditangkap dan dijatuhi hukuman penjara karena pelanggaran narkoba. Dengan sedikit pengecualian, Dr. Fleetwood menghindari menyebutkan penyebab khusus para seniman di masa kini telah dipenjara. Hal ini mungkin dilakukan untuk menghindari karya seni mereka dipelajari melalui lensa kriminalitas. Dia dengan cepat sampai di sini untuk memahami betapa merusak secara psikologis lingkungan penjara mungkin, dan tahu bahwa hanya memberi perhatian pada pembuatan seni akan menyelamatkan kewarasannya.
Dari realisasi ini apa yang ternyata menjadi karceral magnum opus adalah panorama surge dan neraka berskala sinematis, terhadap padat karya yang terdiri dari foto-foto yang diambil dari koran, glossi mode dan majalah karya seni, dengan semua foto yang dicetak transfer.
Yayasan Marshal Mendukung Organisasi Seni Minoritas di Amerika Serikat
Yayasan Marshal Mendukung Organisasi Seni Minoritas di Amerika Serikat – Saat dunia mulai mengetahui penyebaran dari virus corona ini, saat ini penyebaran virus corona mengakibatkan banyak dampak negatif seperti yang dirasakan pada organisasi seni. Hal ini membuat koalisi 16 donor hari ini mengumumkan inisiatif mereka untuk bersatu memberikan dana bantuan dengan total lebih dari $ 156 juta.
Hal ini dilakukan untuk mendukung setiap organisasi seni mulai dari Kulit Hitam, Pribumi, Asia, dan Latin di Amerika Serikat dalam menanggapi pandemi Covid-19 dan kehancuran yang ditimbulkannya dalam lanskap seni. Kepala di antara para donor adalah Ford Foundation, yang menjanjikan $ 85 juta untuk upaya tersebut. https://www.submarinerecords.net/
Sebanyak 20 organisasi seni yang pada awalnya akan mendapat manfaat, yang digambarkan sebagai jangkar nasional yang signifikan bagi keragaman seni dan budaya di Amerika, adalah Alaska Native Heritage Center, Alvin Ailey American Dance Theater, Apollo Theatre, Arab American National Museum, Ballet Hispánico , Museum Charles H. Wright, Teater Tari Harlem, Pemain East West, El Museo del Barrio, Museum Nasional Amerika Jepang, Jazz di Lincoln Center, Museo de Arte de Puerto Rico, Museum Tionghoa di Amerika , Museum Seni Asli Kontemporer, Museum Nasional Seni Meksiko, Teater Penumbra, Project Row Houses, Studio Museum di Harlem, Urban Bush Women dan Museum Wing Luke Pengalaman Amerika Asia Pasifik.
Para donor telah mengidentifikasi para organisasi diatas sebagai penerima yang akan memberikan kontribusi yang sangat penting bagi keragaman dalam berekspresi dan keunggulan di Amerika. Meskipun pada saat kondisi seperti ini, sumber daya yang tersedia sangat terbatas. Mereka mewakili komunitas yang secara historis terpinggirkan, kekurangan dana dan kurang terwakili dalam narasi budaya Amerika.
Dana hibah nasional yang akan diberikan ini berkisar dari $ 1 juta hingga 6 juta, yang mewakili, kata koalisi. Hal ini akan mewakilkan sebagian besar dari anggaran operasional masing-masing lembaga. Selain dana hibah, setiap penerima hibah ini akan menerima bayaran langusng hingga $ 100.000 untuk digunakan dalam membangun kapasitasnya untuk melayani audiensnya melalui strategi digital dan media atau cara lainnya.
Organisasi-organisasi ini akan mewakili cita-cita tertinggi dari kesempurnaan sebuah pembuatan artistic, yang benar-benar merupakan kekayaan budaya Amerika Serikat itu sendiri kata Darren Walker, presiden Ford Foundation dalam pernyataannya. Darren dan koalisinya berharap jika filantropis dan perusahaan seni lainnya ini akan ikut serta dalam hal meningkatkan dukungannya kepada banyak organisasi budaya. Dimana organisasi budaya inilah yang mencerminkan sejarah bangsa kita yang kaya dan beragam.
Selain Ford Foundation, para donor termasuk Bloomberg Philanthropies, Barbara dan Amos Hostetter, Abrams Foundation, Alice L.Walton Foundation, Tom dan Lisa Blumenthal, Barr Foundation, Getty Foundation, Heinz Endowments, Houston Endowment, Yayasan John D. & Catherine T. MacArthur, Yayasan Joyce, Yayasan McKnight, Yayasan Ralph M. Parsons, Yayasan Terra untuk Seni Amerika, dan Yayasan William Penn telah komitmen.
Mereka komitmen dalam hal yang meningkat dana operasional secara umum. Dimana hal ini akan memungkinkan setiap organisasi ini untuk dapat kembali membangun kepemimpinan mereka selama puluhan tahun. Selain itu juga, komitmen ini diharapkan dapat tetap membuat mereka tangguh serta tahan lama dalam menghadapi dampak ekonomi yang belum pernah terjadi sebelumnya dari pandemi Covid-19, kata Ford Foundation. Para donor berharap investasi awal ini akan memicu percakapan dan meningkatkan pemberian kepada organisasi seni kulit hitam, Latinx, Asia, dan Pribumi lainnya.
Pertunjukan Seni Semuanya Wanita Yang Sangat Terkenal
Pertunjukan Seni Semuanya Wanita Yang Sangat Terkenal – Biasanya jika Anda meminta seseorang untuk menyebutkan sepuluh artis seni wanita terkenal, mereka kesulitan untuk melakukannya. Tetapi akhir-akhir ini kami melihat sebuah peningkatan yang signifikan dalam pameran seni yang semuanya hasil karya perempuan.
Namun, seperti yang ktia ketahui ada lebih banyak pertunjukan seni yang semuanya laki-laki. Tetapi mereka tidak disajikan seperti itu. Pertanyaan yang muncul adalah apakah semua pertunjukan yang dibuat ini dapat mendukung persaudaraan tersebut, yang secara tidak sengaja berisiko membuat artis wanita menjadi ghetto. Kemudian apakah mereka akan menurunkan artis sen wanita ke kelas dua, karena tidak cukup baik untuk ambil bagian dalam pameran gender campuran? Ataukah pertunjukan yang semuanya perempuan merupakan koreksi yang diperlukan, setelah berabad-abad pameran seni yang hanya menampilkan laki-laki idn slot
Saat ini karya seni buatan wanita bahkan tidak diizinkan membuat sebuah seni untuk waktu yang sangat lama. Gerakan seni feminis berusaha mengubah ini dan mempromosikan seni perempuan pada 1960-an dan sepanjang 1970-an. Dimana di tahun 8os the Guerrilla Girls mencoba mengubah patriarki di dunia seni.
Baru-baru ini kami telah melihat pertunjukan seni khusus wanita seperti Pertunjukan Seni Wanita Nasty di Knockdown Center, NSFW: Pandangan Wanita di Museum Seks New York, Kehidupan Sampanye di galeri Saatchi, GRAB BACK: PES Ruang Inkubator Feminis di Proyek Ruang Kosong dan Produk Feminin di galeri THE VOID 3125c Los Angeles.
Ada juga pameran seni wanita seperti Pameran seni Lainnya dan Pameran Seni Wanita. The SETIAP WANITA dua tahunan atau Whitney Houston Biennial adalah hasil karya seni yang semuanya wanita. Wanita ini di identifikasi sebagai hasil karya seni dua tahunan di NY dan LA.
Pertunjukan seperti ini membawa kesadaran dan hajatan para seniman perempuan. Seperti Dr. Annemarie Murland yang merupakan seorang seniman dan akademisi Australia, memutuskan untuk menyelenggarakan sebuah pameran yang menyoroti kurangnya representasi perempuan dalam Seni. Crack Open the Canon diselenggarakan oleh Mel McMillan, Direktur Newcastle ArtSpace, penyair dan akademisi, serta Profesor Rekanan Universitas Newcastle Trisha Pender dan koleganya, Keri Glastonbury.
Annemarie Murland
Ada lebih dari satu cara untuk menjadi feminis, atau seperti yang dikatakan oleh Caroline McHugh sebagai ‘seorang perempuan’, dalam masyarakat kontemporer. Analogi dan keyakinan kuat dalam membuat ‘seni yang baik’ ini adalah benang merah bersama yang menyatukan sembilan belas seniman perempuan dalam pameran Reimagining the Canon. Pertunjukan seperti ini tidak merendahkan atau mengorbankan seniman tetapi lebih merangkul mereka. Sebuah pameran seni yang dibuat oleh wanita, bukan sebagai “pameran seni wanita”. Ini tentang pekerjaan, dan kesempatan yang sama bukan tentang gender.
Helen Hopcroft
Dr. Murland berkata bahwa dirinya ingin membuat pameran yang mengedepankan isu ketidak setaraan gender dalam seni visual. Sebanyak 51 persen seniman visual saat ini adalah perempuan. Tetapi hanya 5 persen karya seni di museum besar yang dibuat oleh perempuan. Hanya 25-35% artis wanita yang diwakili oleh sebuah galeri. Pria yang bekerja di bidang seni menghasilkan rata-rata $ 20.000 per tahun lebih banyak dari pada wanita.
Mengapa wanita begitu sering dilupakan oleh sejarah seni, Tanya Dr. Murland. Seperti apa kanon sejarah seni jika dirancang oleh seniman perempuan.
Lucy O’Donnell
Wanita berhak mendapatkan perlakuan yang sama seperti pria sezamannya. Pekerjaan yang mereka lakukan tidak lebih berkaitan dengan jenis kelamin mereka dari pada pekerjaan yang dilakukan laki-laki untuk melakukan pekerjaan mereka.
Semua kolektif wanita menyukai; Girls Only NYC, World Wide Women, Cleopatra’s, Balti Gurls, mauser, Boudry and Lorenz, SALOON, The Bunny Collective, The Coven, Go! Push Pops, Where We At, The Ardorous, dan Esbat dibentuk untuk mendukung dan mendorong artis individu agar tidak mengidentifikasi anggota sebagai “artis wanita”.
Jadi kita harus berhati-hati bahwa menciptakan ruang dan kesempatan bagi perempuan justru berlawanan dengan maksudnya. Seni yang baik dan bagaimana itu diproduksi, dipersepsikan dan diterima dalam masyarakat luas, dengan pendekatan individu dalam pembuatannya. Hal inilah yang harus tolak ukur untuk ikut serta dalam sebuah pameran.
Apa Yang Dikatakan Seni Wabah Pada Kita Saat Ini
Apa Yang Dikatakan Seni Wabah Pada Kita Saat Ini – Saat ini komunitas seni sedang bergulat dengan musuh yang tak terlihat. Seniman sering mencoba memahami kehancuran acak yang disebabkan oleh wabah. Interpretasi mereka tentang kengerian yang mereka saksikan telah berubah secara radikal dari waktu ke waktu.
Tetapi yang tetap konstan adalah keinginan para seniman untuk menangkap esensi sebuah epidemi. Melalui karya seni ini, mereka telah menyusun kembali wabah sebagai sesuatu yang tidak terlalu amorf, tidak dapat diketahui, atau menakutkan. dewa slot
Sepanjang sebagian besar sejarah, seniman telah menggambarkan epidemi dari kerangka religius yang mendalam di mana mereka hidup. Di Eropa, seni yang menggambarkan Kematian Hitam pada awalnya dipandang sebagai peringatan hukuman yang akan ditimbulkan oleh wabah tersebut kepada orang-orang dan masyarakat yang berdosa. Abad-abad berikutnya membawa peran baru bagi sang seniman.
Tugas mereka adalah mendorong empati dengan korban wabah, yang kemudian dikaitkan dengan Kristus sendiri, untuk meninggikan dan memberi insentif kepada pengasuh yang berani. Membangkitkan emosi yang kuat dan menunjukkan kekuatan superior untuk mengatasi epidemi adalah cara untuk melindungi dan menghibur masyarakat yang menderita.
Di zaman modern, seniman telah membuat potret diri untuk menunjukkan bagaimana mereka dapat bertahan dan melawan epidemi yang terjadi di sekitar mereka, dan mendapatkan kembali rasa agensi. Melalui kreativitasnya, seniman bergumul dengan pertanyaan tentang kerapuhan hidup, hubungan dengan Tuhan, serta peran pengasuh. Hari ini, pada saat Covid-19, gambar-gambar bersejarah ini memberi kita kesempatan untuk merenungkan pertanyaan-pertanyaan ini, dan menanyakan pertanyaan kita sendiri.
Wabah sebagai peringatan
Pada saat ini hanya sedikit orang yang bisa membaca, gambar dramatis dengan alur cerita yang menarik diciptakan untuk memikat orang, dan mengesankan mereka dengan besarnya kuasa Tuhan untuk menghukum ketidaktaatan. Kematian karena wabah tidak hanya dilihat sebagai hukuman Tuhan atas kejahatan tetapi sebagai tanda bahwa korban akan menanggung penderitaan yang kekal di dunia yang akan datang.
Seperti gambar Louise Marshall dengan “Manuskript Black Death” adalah salah satu representasi Seni Renaisans pertama dari epidemi Kematian Hitam. Dimana wabah ini menewaskan sekitar 25 juta orang di Eropa selama tahun-tahun paling dahsyatnya. Dalam manuskrip bergambar yang dilukis di Tuscany pada akhir abad ke-14 ini, setan menembak jatuh panah untuk menimbulkan kengerian pada massa manusia yang terjerat. Pembunuhan itu digambarkan secara real time, dengan satu anak panah akan mengenai kepala salah satu korban. Simbol panah sebagai pembawa penyakit, kemalangan dan kematian mengacu pada metafora panah yang kaya dalam Perjanjian Lama dan mitologi Yunani.
Sejarawan seni Australia Dr Louise Marshall berpendapat bahwa, dalam ilustrasi seperti ini, setan disubkontrakkan oleh Tuhan untuk menghukum manusia atas dosa-dosa mereka. Orang-orang abad pertengahan yang melihat gambar ini akan ketakutan dengan makhluk bersayap karena mereka percaya iblis telah muncul dari dunia bawah untuk mengancam mereka dengan kekuatan luar biasa.
Penggambaran ini menunjukkan kepada kita pembantaian iblis tanpa pandang bulu, muncul dari atmosfer awan gelap yang rusak untuk menargetkan seluruh komunitas. Gambar tersebut bertindak sebagai peringatan tidak hanya tentang hilangnya komunitas tetapi juga akhir dari dunia itu sendiri, kata Dr Marshall. Dalam pemahaman itulah, kiamat diletakkan untuk keuntungan tertinggi umat manusia, sehingga kita dapat mempelajari kesalahan cara kita dan memenuhi kehendak ilahi dengan menjalani kehidupan Kristen yang sejati.
Narasi hukuman wabah juga merupakan bagian dari kisah pembebasan orang-orang Yahudi dari Mesir, yang diceritakan kembali oleh komunitas Yahudi setiap tahun pada Paskah. Gambar salah satu itulah yang menimpa orang-orang Mesir yang bersalah ini berasal dari Haggadah yang diterangi pada abad ke-14.
Naskah itu dipesan oleh orang-orang Yahudi di Catalonia untuk digunakan pada perjamuan Paskah tahunan mereka. Di sini, Firaun dan salah satu anggota istananya dipukul oleh bisul karena dosa mereka menindas budak Israel yang diklaim oleh orang Mesir berkerumun seperti serangga. Profesor agama dan budaya visual, Dr Marc Michael Epstein juga menyoroti hukuman ekstrim yang terungkap dalam detail gambar ini, tiga anjing menjilati luka bernanah pemilik Mesir mereka yang berdosa.
Karya seni yang dibuat selama masa wabah mengingatkan bahkan yang paling kuat bahwa hidup mereka yang rapuh dan sementara. Dalam banyak lukisan wabah ada penekanan pada kematian yang tiba-tiba. Gambaran mengerikan d anse diulang, di mana setiap orang didorong oleh personifikasi kematian untuk menari sampai ke kuburan mereka. Ada juga penggunaan jam pasir yang ekstensif untuk memperingatkan orang-orang percaya bahwa mereka hanya memiliki waktu terbatas untuk membereskan urusan dan jiwa mereka sebelum wabah bisa memotong mereka tanpa peringatan.
Luchita Hurtado Menggambar Dirinya Sendiri Bagian 2
Luchita Hurtado Menggambar Dirinya Sendiri Bagian 2 – Setelah melewatkan pengungkapan besar hadiah Serpentine, New York menginginkan sejumlah pameran yang terkonsentrasi yang lebih kecil untuk berubah menjadi masa kini dengan berbagai fase karya seni Hurtado. Tahun lalu, Hauser & Wirth, melakukan solo terpuji yang pertama di New York dengan karya seni dari tahun 1940-an dan 50-an.
Hadiah itu seharusnya diadopsi oleh seseorang yang didedikasikan untuk karya Hurtado yang paling terkenal dan paling halus. Dimana pemandangan memusingkan yang keduanya memandang lurus ke langit biru pucat di mana. Misalnya, sehelai bulu mungkin akan mengapung atau lurus ke bawah, pada fisik telanjang pribadinya yang terlihat dalam cahaya keemasan, sehingga menyerupai patung perunggu atau mungkin panorama gurun. raja slot
Kemudian pemandangan tiba-tiba berakhir di dalam jari kaki sang seniman, yang sedang berdiri di atas tekstil geometris yang cemerlang. Hal ini hampir tidak terlihat di New York, selain dari beberapa karya di Galeri Matthew Marks pada musim panas 2018.
Pameran Luchita Hurtado: Together Forever seharusnya tidak menjadi hadiah yang terus membawa New York di puncak pencapaian artis. Sebenarnya hal itu melemahkan perasaan kita. Ini jelas merupakan dua pameran, atau lebih tepatnya, bagian dari dua pameran yang tidak cukup. Untuk satu faktor, Hurtado di atas kertas seharusnya tidak selalu menjadi Hurtado yang terbaik. Dia adalah seniman yang agak jauh dari hal tersebut dan bertangan dingin yang menginginkan warna, kanvas, dan kelenturan cat untuk bersinar.
Ada janji dalam gambar pertama saat ini, dimana rendering tinta coklat tanpa judul dari tahun 1970-an yang menampilkan seniman yang duduk di atas kasur di bagian dalam dekat dengan beberapa rak buku, dengan peraih mimpi First Nation di dinding di belakangnya. Semua hal ini digariskan dengan alur yang sembrono.
Bedanya, wajahnya dijejali, terkonsentrasi, seperti dianggap sebagai salah satu karya potret Giacometti. Namun hanya beberapa gambar berbeda yang menghadirkan strategi wajah artis yang menegangkan keintiman ini.
Kesembilan karya akhirnya yang sembari mengetik di paruh kedua yang lebih kecil saat ini, sebagian besar dalam akrilik dan mungkin tinta pada kayu, linen atau kanvas dari 2018-2020. Hal ini relatif sangat efektif, meskipun kekasaran adamantine menunjukkan kekuatan inventif yang memudar. Mereka menghadirkan Hurtado, yang tahun-tahun suburnya membentang dari 1940 hingga 1962, dengan memusatkan perhatian sekali lagi pada fisiknya. Mereka ingin mendahului payudaranya kemudian ke kakinya yang terangkat, di mana mahkota balita sering hampir tidak terlihat. Motifnya semacam hieroglif, berulang kali.
Karya Birth dari 2019, akrilik di atas linen. buatan Luchita Hurtado dan Hauser & Wirth dan Jeff McLane
Karya seni Birth dari 2019 ini membalikkan sudut pandang ini. Puncak kepala Hurtado tampaknya, betapapun jauhnya, menyatu dengan pohon. Dia telah berubah menjadi alam dan mengintip melalui kurva ringkasan luas dari garis-garis kuning hijau dan hijau. Dimana garis inilah yang akan melambangkan subjek yang digarap atau kanal awal yang diperluas yang telah menghasilkan dunia. Hal yang juga menarik adalah salah satu karya dari tahun 2020, juga berjudul “Birth”. Judul ini diberikan dengan tinta dan krayon pada panel kecil, sekali lagi memperlihatkan batang tubuh berkaki terbuka yang sama. Namun, dalam awan biru encer (dengan butiran kayu termasuk cairan yang beriak). Sebuah tangan tampak bergerak di atasnya, seolah-olah sedang melayani atau memberkati.
Satu lukisan ini telah menyinggung lebih banyak tentang kehilangan nyawa dari pada awal. Di hadapkan dengan panorama dalam pita hitam, hijau, dan biru, berdiri tiga jenis warna mencolok, yaitu gambar skema dengan lengan terangkat dan dua semak. Totalitas berbicara tentang kesedihan dan kewaspadaan, dan menyulap Golgota.
Terakhir, sebuah video singkat yang dapat dinikmati di monitor dinding di dalam galeri mungkin membuat masalah menjadi focus. Karena tidak kurang dari yang terjadi pada kami. Di atasnya Matt Mullican bertamasya ke masa sekarang, dan mencatat bahwa dalam karya terakhir ini, ibunya telah meninggalkan bumi ini. Video dimulai dengan penayangan sementara Hurtado yang bekerja di studionya, di mana partisi dilapisi dengan karya terkait. Terlalu berbahaya Hauser & Wirth tidak berusaha sekuat tenaga dan memberikan hadiah serupa dari upaya perpisahan itu.
Luchita Hurtado Menggambar Dirinya Sendiri Bagian 1
Luchita Hurtado Menggambar Dirinya Sendiri Bagian 1 – Setiap kali luchita menemukan bahwa dirinya tidak mendapatkan apa-apa dengan satu hal yang dirinya tulis. Dirinya selalu bertanya pada diri sendiri, apa yang harus diketahui pembaca sekarang. Hal ini menggeser sudut pandang dari pembuat ke konsumen yang biasanya membantu.
Apa yang dipikirkan Hauser & Wirth sehingga mereka menyelenggarakan pameran seni Luchita Hurtado dengan tajuk Together Forever dalam sebuah pameran di Chelsea. Dimana dalam pameran ini berisi hampir tiga lusin karya seniman kelahiran Venezuela, yang meninggal di Santa Monica, California, bulan lalu. nexus slot
Apa karya Hurtado yang harus dilihat oleh penonton atau lebih khusus lagi, seperti penonton New York sekarang? Jawabannya bukanlah pada pameran gambar potret diri yang pada prinsipnya hambar. Melainkan dirinya memamerkan seniman sebagai siluet atau definisi yang mudah. Hal ini yang ditebus oleh terlalu sedikit karya akrilik ekstra intensnya dari dua tahun terakhir. Semua terungkap dimana hal ini yang jarang di seluruh rumah galeri yang lebih besar dari yang dibutuhkan.
Hurtado telah membayangi raksasa dalam dunia karya seni dunia saat ini. Untuk sebagian besar hidupnya, dia adalah pencilan yang inventif dalam menavigasi di antara banyak jenis yang sama sekali berbeda. Seperti Surealisme, Ekspresionisme Abstrak, realisme, dan terutama jenis penggambaran seni tubuh feminis tertentu. Hal ini mengambil apa yang dia inginkan tanpa pernah cukup datang ke darat.
Dirinya hampir tidak pernah mengkonfirmasi kepada siapa pun apa yang dia lakukan dan selama bertahun-tahun dipamerkan hampir sama sekali tidak ada yang melihatnya. Tepatnya, satu-satunya hadiah solonya sampai saat ini adalah di Gedung Wanita yang inovatif di Los Angeles pada tahun 1974. Namun pada tahun 2016 dirinya ditemukan kembali dan selama 4 tahun terakhir hidupnya dicurahkan dengan pertimbangan, penghargaan dan pameran.
Puncaknya adalah retrospektif besar yang berasal dari 2019 di Galeri Serpentine di London. Dirinya melewatkan New York, kemudian pergi ke Los Angeles County Museum of Art, dimana di tempat itu dibuka pada bulan Februari dan tempat itu tetap ditutup dengan cepat karena Covid-19. Dengan keberuntungan, kemungkinan akan dapat dibuka kembali dan dapat diakses sebentar musim gugur ini.
Thomas Barratt Lahir pada tahun 1920, dimana Hurtado adalah sosok yang memukau dan sangat memiliki diri sendiri, secara langsung tegas dan pasif. Dia bertekad untuk menjadi seorang seniman pada usia 5 tahun, yang terkesan oleh subur karena lingkungannya yang murni dan ritual (jika bukan agama) Gereja Katolik. Pada usia delapan, dirinya berimigrasi ke New York bersama ibunya untuk tinggal di rumah bibi dan sepupu yang lama di lingkungan Inwood Park. Dia mengatur untuk menghadiri Washington Irving, yang merupakan sebuah sekolah menengah seni khusus perempuan dekat dengan Gramercy Park. Ditempat ini dirinya unggul dan setelah memulainya dirinya melanjutkan melanjutkan penelitian di Liga Mahasiswa Seni.
Hurtado didorong oleh umur panjangnya oleh ambisi, tiga pernikahan, dan pusaran seniman dan penulis terkenal. Di New York dia sangat dekat dengan Isamu Noguchi dan Rufino Tamayo dan semua orang yang dia temui meluncurkan karya seni untuk masyarakat umum dengan karakteristik hasil karya seni Ekspresionis Abstrak, émigré Surealis, Frida Kahlo dan Jane Bowles.
Pada usia 18 tahun, dirinya menikah dengan seorang jurnalis Chili yang lebih tua dan meninggalkannya setelah enam tahun menikan dan memiliki dua anak. Dirinya menyimpan rumah tangganya yang berantakan untuk menciptakan pertunjukan jendela dan mural di Lord & Taylor dan sebagai ilustrator tren di Condé Nast.
Pernikahan keduanya adalah dengan surealis kelahiran Austria Wolfgang Paalen yang membawanya ke Meksiko setelah kematian putranya yang masih muda dari polio, ke Mill Valley, California. Di sana, Paalen mendirikan grup Dynaton dengan seniman Gordon Onslow Ford dan Lee Mullican. Hurtado menetap dengan Mullican di Los Angeles pada tahun 1951 dan mengatakan bahwa mereka memiliki dua putra, artis Matt Mullican, dan John Mullican, seorang pembuat film. Infonya Lee Mullican telah meninggal pada tahun 1998.